A trama acompanha Milton Robinson (Ben Kingsley), um viúvo que leva uma vida pacata e previsível em uma pequena cidade na Pensilvânia. Tudo muda quando uma nave espacial cai em seu quintal, destruindo suas amadas azaleias. No lugar do pânico ou do espanto que normalmente veríamos em filmes desse tipo, Milton simplesmente aceita o fato e decide cuidar do misterioso visitante, a quem dá o nome de Jules. O extraterrestre, silencioso e enigmático, acaba se tornando uma presença transformadora na vida dele e de suas amigas Sandy (Harriet Sansom Harris) e Joyce (Jane Curtin).

O que mais me chamou atenção em Jules foi como ele usa o elemento sci-fi apenas como um pano de fundo para contar uma história essencialmente sobre solidão, amizade e aceitação. Não há grandes efeitos especiais, conspirações do governo ou invasões alienígenas. Em vez disso, a narrativa foca na forma como três pessoas na terceira idade, cada uma lidando com suas próprias frustrações e medos, encontram em Jules um motivo para se conectar e, de certa forma, redescobrir a vida.

Ben Kingsley está excelente no papel de Milton. Ele entrega uma performance que equilibra a melancolia de um homem que se sente esquecido pelo mundo com momentos de humor seco que tornam seu personagem irresistível. Harriet Sansom Harris e Jane Curtin também brilham, trazendo um dinamismo divertido para a relação entre os três. As interações entre eles são naturais, cativantes e muitas vezes engraçadas de um jeito sutil e realista.

Outro ponto que merece destaque é a simplicidade visual do filme. Em vez de apostar em CGI extravagante, Jules se mantém intimista, com uma fotografia que valoriza os pequenos detalhes da cidadezinha e os momentos de contemplação dos personagens. Isso reforça o tom delicado da história e faz com que a relação entre os protagonistas seja o verdadeiro foco.

Se eu tivesse que apontar algo que pode dividir opiniões, seria o ritmo do filme. Ele é mais lento, sem pressa para desenvolver os personagens e suas interações, o que pode não agradar a quem espera um sci-fi mais tradicional. Mas, para mim, isso só torna a experiência mais autêntica e emocionalmente envolvente.

No fim das contas, Jules é uma daquelas histórias que nos lembram que encontros inesperados podem mudar tudo, independentemente da idade. Não é um filme grandioso, mas tem um coração enorme. Se você gosta de histórias que falam sobre conexões humanas de maneira sutil e tocante, esse filme vale a pena.

The post Jules – Um filme leve, improvável e emocionante appeared first on Jacta Est.

Se você gosta de séries de suspense com um toque de mistério e um pé no terror psicológico, talvez tenha se interessado por O Diabo em Ohio. A minissérie da Netflix chegou com a promessa de envolver o espectador em uma trama tensa e cheia de reviravoltas, mas será que entrega tudo o que promete?

A história acompanha Suzanne, uma psiquiatra que, ao acolher Mae, uma jovem fugindo de um culto satânico, acaba colocando sua própria família em risco. A premissa é instigante e levanta questões sobre manipulação, fanatismo e os perigos de mexer com o desconhecido. A ambientação sombria contribui para a sensação de inquietação, e a série sabe como construir momentos de tensão.

Mas nem tudo funciona perfeitamente. Apesar de ter uma atmosfera envolvente, o ritmo oscila bastante. Alguns episódios prendem pela intensidade, enquanto outros parecem arrastados, tentando criar suspense sem realmente entregar grandes revelações. Além disso, algumas escolhas dos personagens são difíceis de engolir, tornando a trama, em certos momentos, menos crível.

O grande destaque fica por conta da atuação de Emily Deschanel, que interpreta Suzanne de forma convincente, transmitindo a luta entre seu lado profissional e sua necessidade de proteger aqueles que ama. Já Madeleine Arthur, no papel de Mae, consegue dar um ar enigmático à personagem, deixando o público em dúvida sobre suas verdadeiras intenções.

No final, O Diabo em Ohio é uma série que entretém e pode ser uma boa pedida para quem gosta de suspense com um toque sobrenatural. No entanto, se você procura algo realmente impactante, talvez fique com a sensação de que faltou um pouco mais de ousadia para explorar o lado sombrio da história.

The post Série O Diabo em Ohio appeared first on Jacta Est.

O que mais me impressionou foi como a série consegue equilibrar um roteiro instigante com uma atmosfera quase hipnótica. A cinematografia explora paisagens paradisíacas, que contrastam com a toxicidade e os dramas que se desenrolam entre os personagens. A trilha sonora, com suas batidas tribais e um tom crescente de inquietação, ajuda a criar uma sensação constante de que algo está prestes a dar errado.

Outro ponto forte é o desenvolvimento dos personagens. Cada um deles carrega suas próprias inseguranças e contradições, tornando-se um espelho de comportamentos reais. Os diálogos são afiadas e, muitas vezes, desconfortáveis, expondo privilégios, arrogância e a hipocrisia da elite de forma quase cruel. No entanto, a série nunca entrega uma visão simplista: até os personagens mais detestáveis têm camadas que os tornam fascinantes.

A primeira temporada se destacou pelo mistério que permeia toda a narrativa. Desde o início, sabemos que algo trágico acontecerá, mas a construção até esse momento é feita de forma brilhante, tornando cada episódio uma experiência envolvente. Já na segunda temporada, ambientada na Sicília, a série expande suas críticas, explorando temas como desejo, traição e poder de maneira ainda mais intensa.

Se há algo que pode incomodar alguns espectadores, talvez seja o ritmo, que em alguns momentos parece mais contemplativo do que acelerado. Mas, para mim, essa abordagem só reforça o tom de desconforto e ironia que tornam The White Lotus uma obra tão marcante.

No fim das contas, é uma série que vai muito além do entretenimento. Ela provoca, questiona e, ao mesmo tempo, diverte com sua narrativa afiada. Se você gosta de histórias que exploram o lado sombrio do luxo e das relações humanas, essa é uma produção que definitivamente vale a pena assistir.
MITOS URBANOS

The post Série The White Lotus appeared first on Jacta Est.

O maior problema parece ser justamente a falta de inovação. Enquanto o primeiro filme era fresco e espirituoso, o segundo parece preso à sombra do original, tentando replicar as mesmas piadas e situações sem o mesmo impacto. A impressão é que, em vez de evoluir os personagens e explorar novas histórias, o roteiro preferiu caminhar por uma estrada já muito percorrida.

Outro ponto é o tom. Enquanto o primeiro filme conseguia equilibrar humor e drama com maestria, aqui os momentos emocionais parecem forçados e as piadas, por vezes, datadas ou repetitivas. João Grilo e Chicó, personagens tão queridos, não têm o mesmo brilho e parecem deslocados em muitas cenas. A química entre eles, que antes era um dos pilares da história, parece menos orgânica.

Isso não significa que o filme não tenha seus méritos. A produção continua visualmente bonita, e a ambientação do sertão nordestino permanece encantadora. Alguns momentos até resgatam um pouco da magia original, mas são pontuais e não sustentam a trama como um todo.

A expectativa foi, sem dúvida, um fator importante. Muitos fãs, eu incluso, esperavam um filme que revivesse a experiência única do primeiro. Quando isso não acontece, é natural a sensação de decepção. Talvez, se o filme tivesse se distanciado mais da obra original e tentado uma abordagem diferente, a recepção poderia ter sido melhor.

No fim das contas, O Auto da Compadecida 2 não é necessariamente um filme ruim. Ele apenas sofre com o peso do passado e a comparação inevitável. Talvez, com um olhar menos nostálgico e mais aberto, algumas pessoas possam encontrá-lo divertido. Mas, para mim, faltou alma e inovação.

The post Filme o Auto da Compadecida 2 appeared first on Jacta Est.

A história segue um grupo de adolescentes que sobrevivem a um acidente de avião e precisam lutar para permanecer vivas em uma floresta remota. O grande trunfo da série está em sua estrutura narrativa: enquanto acompanhamos os eventos traumáticos do passado, também vemos as versões adultas dessas personagens, lidando com os impactos psicológicos do que viveram. Essa dualidade entre juventude e maturidade dá à trama uma profundidade rara em produções do gênero.

A atuação é um dos grandes destaques. O elenco jovem e o adulto entregam performances poderosas, tornando suas versões incrivelmente coerentes entre si. Juliette Lewis, Christina Ricci e Melanie Lynskey brilham ao interpretar personagens complexas, repletas de traumas e segredos. A forma como a série trabalha a passagem do tempo, mostrando como os eventos moldaram essas mulheres, é um dos seus pontos mais fortes.

A fotografia da série contribui para sua atmosfera inquietante. As cenas na floresta são filmadas com uma luz quase opressiva, transmitindo a sensação de isolamento e desespero. Já no presente, a paleta de cores mais sóbria reflete o peso do passado que ainda assombra as protagonistas.

Mas o que realmente torna Yellowjackets fascinante é a sua ambiguidade. A série brinca com elementos sobrenaturais, mas nunca deixa claro o que é real e o que pode ser fruto do trauma e da paranoia. Isso mantém o espectador constantemente questionando o que realmente aconteceu naqueles meses de sobrevivência.

Se você gosta de histórias que exploram o lado sombrio da psique humana, com personagens bem desenvolvidos e um suspense que cresce a cada episódio, Yellowjackets é uma escolha certeira. A série não entrega respostas fáceis, mas é justamente isso que a torna tão envolvente.

The post Série Yellowjackets appeared first on Jacta Est.

O grande mérito de The Bear está em sua abordagem realista e imersiva. A série utiliza uma cinematografia dinâmica e um design de som frenético para capturar a atmosfera opressora e muitas vezes caótica de uma cozinha profissional. A câmera segue os personagens de perto, intensificando a sensação de claustrofobia e urgência, enquanto os diálogos rápidos e sobrepostos contribuem para a autenticidade do ambiente.

O roteiro se destaca ao equilibrar momentos de tensão extrema com reflexões silenciosas sobre luto, ambição e conexões humanas. A narrativa não se limita apenas aos desafios da cozinha, mas expande sua análise para questões emocionais profundas, explorando o impacto psicológico de traumas familiares e expectativas frustradas. Os personagens secundários, como Sydney (Ayo Edebiri) e Richie (Ebon Moss-Bachrach), acrescentam camadas à trama, proporcionando conflitos e momentos de vulnerabilidade que tornam a história ainda mais rica e envolvente.

A atuação do elenco é um dos pontos altos da série. Jeremy Allen White entrega uma performance carregada de nuances, transmitindo a angústia de alguém que carrega um fardo emocional imenso enquanto tenta manter o controle de uma situação instável. Ayo Edebiri brilha como Sydney, uma jovem e talentosa chef que busca seu espaço, e Ebon Moss-Bachrach traz complexidade ao impulsivo e problemático Richie.

Além do drama, The Bear também surpreende pela maneira como retrata a comida não apenas como um elemento narrativo, mas como uma forma de expressão emocional e cultural. A forma como os pratos são preparados e apresentados reflete o estado mental dos personagens, criando uma conexão sutil entre a arte culinária e o desenvolvimento da trama.

No geral, The Bear é uma produção que transcende o gênero ao oferecer uma experiência intensa e emocionalmente ressonante. Com um roteiro afiado, performances excepcionais e uma direção que valoriza a imersão do espectador, a série se consolida como uma das narrativas mais autênticas e impactantes dos últimos anos. Para aqueles que apreciam histórias que exploram a complexidade humana sem concessões, esta é uma obra essencial.

The post The bear e o cotidiano das cozinhas profissionais appeared first on Jacta Est.

Ambientada em 2120, dois anos antes dos eventos do filme original de 1979, a trama começa quando uma misteriosa nave espacial cai na Terra. Uma jovem, interpretada por Sydney Chandler, juntamente com um grupo de soldados táticos, faz uma descoberta que os coloca frente a frente com uma ameaça alienígena sem precedentes. A série explora temas de desigualdade, focando nas figuras poderosas por trás da corporação Weyland-Yutani, oferecendo uma perspectiva inédita dentro do universo Alien.

O elenco conta com nomes de peso, incluindo Timothy Olyphant como Kirsh, mentor e treinador de Wendy (Chandler), além de Alex Lawther e Essie Davis em papéis significativos. A produção é uma colaboração entre a 20th Television e a Scott Free Productions, com Ridley Scott atuando como produtor executivo.

Os fãs podem esperar uma abordagem que mescla o horror clássico da franquia com novas camadas de suspense e desenvolvimento de personagens. Com a promessa de trazer os xenomorfos para a Terra pela primeira vez, Alien: Earth tem tudo para ser uma adição emocionante ao legado da série.

Para quem está ansioso por um vislumbre do que está por vir, o teaser oficial já está disponível:

The post Alien Earth appeared first on Jacta Est.

A história começa quando Jack Reacher, um ex-militar altamente treinado, chega a uma pequena cidade e logo se vê envolvido em uma trama criminosa. O primeiro episódio estabelece rapidamente o tom da série: ação intensa, mistério e um protagonista que prefere resolver as coisas de forma direta – muitas vezes com os punhos. O roteiro não tenta complicar demais, seguindo uma linha clara de investigação e vingança, com reviravoltas suficientes para manter a atenção do público.

Ritchson brilha no papel, capturando a essência de Reacher com olhares frios e uma postura que exala ameaça. Ele não é um herói convencional, não faz discursos emocionantes nem tenta agradar a ninguém. Sua força está na precisão com que analisa cada situação e na confiança absoluta de que pode vencer qualquer um em um confronto físico. Diferente das versões anteriores, aqui temos um Reacher que impõe respeito apenas pela presença.

A ação é um dos grandes trunfos da série. As lutas são coreografadas de maneira brutal e eficiente, sem exageros estilizados, o que reforça o realismo. Cada soco e golpe tem peso, e a violência não é gratuita, mas uma consequência natural do mundo perigoso em que Reacher transita. As sequências de combate são filmadas com câmera firme, sem cortes excessivos, permitindo que o público acompanhe cada movimento.

A fotografia da série contribui para a atmosfera sombria e realista. As locações trazem um tom de isolamento, refletindo a natureza solitária do protagonista. A trilha sonora complementa bem as cenas de tensão, sem exageros, apenas reforçando a sensação de perigo constante. Já o ritmo da narrativa mantém um equilíbrio entre momentos de investigação e explosões de ação, garantindo que a história não fique monótona.

Os personagens secundários, embora bem desenvolvidos, acabam sendo ofuscados pela presença dominante de Reacher. Os policiais locais, interpretados por Willa Fitzgerald e Malcolm Goodwin, funcionam como aliados interessantes, mas nenhum deles rouba a cena. A relação entre os personagens é funcional e direta, sem aprofundamentos emocionais desnecessários, o que combina com o tom seco da série.

Se há um ponto negativo, talvez seja a previsibilidade de alguns momentos. Para quem está acostumado com histórias de ação e investigação, certas reviravoltas podem parecer óbvias. No entanto, isso não chega a comprometer a experiência, já que o foco principal é acompanhar Reacher em sua jornada de justiça implacável.

O sucesso de Reacher está na sua simplicidade bem executada. Não há exageros narrativos nem tentativas de reinventar o gênero. O que temos aqui é uma série de ação direta, brutal e eficiente, exatamente como o personagem pede. Para quem gosta de thrillers policiais, conspirações e um protagonista que não tem paciência para burocracia, essa é uma escolha certeira. O Prime Video acertou ao trazer para a TV um Jack Reacher mais fiel aos livros, e o resultado é uma série envolvente, violenta e extremamente satisfatória para os fãs do gênero.

MITOS URBANOS

The post Crítica: Reacher – Ação brutal e um protagonista implacável appeared first on Jacta Est.

Desde o primeiro episódio, The White Lotus deixa claro que não é apenas uma série sobre ricos aproveitando férias paradisíacas. O roteiro usa esse cenário para desconstruir a hipocrisia da elite, mostrando como o dinheiro pode mascarar inseguranças, preconceitos e relações de poder. Os hóspedes chegam aos resorts com seus problemas pessoais, mas conforme os dias passam, as tensões começam a surgir e logo percebemos que o paraíso não é tão perfeito assim.

O grande trunfo da série está no seu tom de sátira. Em meio a jantares sofisticados e paisagens deslumbrantes, surgem situações desconfortáveis, conversas cheias de subtexto e momentos que fazem o espectador rir de nervoso. Mike White é mestre em construir diálogos que parecem banais à primeira vista, mas que revelam muito sobre os personagens. Isso sem falar no clima de mistério que permeia cada temporada, já que a série sempre começa com a promessa de que algo terrível acontecerá até o final.

Outro ponto que torna The White Lotus tão viciante é o elenco impecável. A primeira temporada trouxe nomes como Murray Bartlett, Connie Britton e Jennifer Coolidge, que brilhou tanto que se tornou a alma da série e voltou na segunda temporada. Aliás, a segunda temporada, ambientada na Sicília, elevou ainda mais o nível da produção, trazendo reflexões sobre desejo, infidelidade e poder dentro dos relacionamentos.

Visualmente, a série é um espetáculo à parte. Cada temporada se passa em um destino paradisíaco, e a fotografia faz questão de explorar cada detalhe desses locais deslumbrantes. Mas, por trás da beleza, há sempre uma sensação de desconforto, como se a qualquer momento a fachada da perfeição fosse ruir. E é exatamente isso que faz a série ser tão envolvente: ela nos convida a espiar a vida dessas pessoas privilegiadas e, ao mesmo tempo, nos faz refletir sobre as desigualdades e dinâmicas de poder que regem o mundo real.

No final, The White Lotus é mais do que um drama sobre ricos e seus problemas superficiais. É uma crítica afiada, envolvente e, acima de tudo, viciante. Se você gosta de histórias que misturam humor ácido, tensão psicológica e personagens extremamente bem desenvolvidos, essa é uma série que merece estar na sua lista. Afinal, nem todo paraíso é tão perfeito quanto parece.

The post Crítica The White Lotus appeared first on Jacta Est.

Desde o primeiro episódio, Kaos deixa claro que não está interessada em apenas repetir os mitos que conhecemos. Aqui, Zeus, Hades, Poseidon e os demais deuses são apresentados com personalidades inesperadas e um tanto caóticas, o que já faz a série se destacar. Zeus, por exemplo, é retratado como um líder paranoico e inseguro, enquanto Hades, o senhor do submundo, enfrenta dilemas existenciais. Essa humanização dos deuses é um dos pontos altos da produção, pois permite explorar suas falhas e contradições de uma forma que dialoga diretamente com o público.

Mas não pense que Kaos se resume apenas a uma crítica cômica à mitologia. A série também se aprofunda em questões contemporâneas, usando as figuras mitológicas para falar sobre poder, desigualdade, identidade e destino. Isso traz um frescor interessante à narrativa, tornando-a mais do que apenas um passatempo divertido. Se você gostou da abordagem de “American Gods” ou até mesmo de “Good Omens”, vai se sentir em casa com essa mistura de fantasia, humor e crítica social.

Outro ponto que chama a atenção é o visual da série. A estética mistura elementos clássicos com um toque moderno, criando um universo mitológico que não parece preso ao passado, mas sim atemporal. A fotografia e os figurinos são bem trabalhados, dando um charme extra à produção. Além disso, o roteiro mantém um ritmo ágil, alternando momentos de humor, tensão e ação de maneira equilibrada.

Agora, nem tudo são elogios. Por mais criativa que seja, Kaos pode dividir opiniões justamente por sua abordagem ousada. Quem espera uma adaptação fiel dos mitos gregos pode estranhar as mudanças feitas nos personagens e nas histórias. Além disso, o tom sarcástico e a forma como os deuses são retratados podem não agradar a todos. Mas, se você está aberto a uma releitura provocativa e cheia de personalidade, a série tem potencial para surpreender.

No fim das contas, Kaos é uma daquelas séries que ou você ama pela ousadia ou torce o nariz pela liberdade criativa que toma com a mitologia grega. Se você gosta de histórias mitológicas, mas quer algo novo e irreverente, vale a pena dar uma chance. Mas se prefere uma abordagem mais tradicional, talvez essa não seja a melhor escolha. De qualquer forma, o importante é estar preparado para um verdadeiro caos – no melhor sentido da palavra.

Professor Rogério

The post Kaos – A série appeared first on Jacta Est.